La poetica di Innokenty Annensky ha assorbito e sintetizzato in modo bizzarro le tradizioni dei testi del 19 ° secolo, prima di tutto AS Pushkin e Tyutchev, così come la prosa psicologica russa. "Questo è il nostro Cechov in versi", hanno osservato i critici contemporanei.
Il simbolismo del poeta è inaspettato e associativo, le sue immagini sono originali in modo innovativo. I. Annensky, rifiutando il falso pathos romantico e il pathos, ha sollevato i diritti del proseismo poetico: "Era una soglia, un presagio di tutto ciò che ci è successo in seguito ...", scrisse Anna Akhmatova.
I testi di I. Annensky erano enigmatici, ma la loro enigmaticità non sta nella complessità, nella cifratura e nella vaghezza semantica, ma in una particolare durezza psicologica, che nasce come dal nulla, dalla “polvere verbale”, da alcuni futili legami: “Tra i mondi, in luci tremolanti..."
La poesia di I. Annensky "Tra i mondi" ci appare sotto forma di un monologo-confessione, in cui viene ricreato un intero mondo di sentimenti ed esperienze eroe lirico. La poesia colpisce per l'unità di tono, forma e contenuto, che è intuitivamente percepita dal lettore.
Compositivamente, la poesia è composta da due quartine, ciascuna delle quali termina con un'anafora (ripetizione delle stesse parole):
Non perché la amo
E poiché io languisco con gli altri...
Non perché è luce da Lei,
E poiché con Lei non c'è bisogno di luce...
Negli ultimi due versi di ciascuna quartina l'autore usa la tecnica dell'antitesi (opposizione). La dimensione poetica di questo verso è giambica (accento sulla seconda sillaba), la rima è croce.
Il primo e l'ultimo verso della poesia riecheggiano internamente - mostrano attraverso il motivo della tristezza e della solitudine dell'eroe lirico (leibmotiv): "nel tremolio delle stelle", "Languo con gli altri", "il dubbio è pesante", “Prego per una risposta”, “non c'è bisogno di luce”. La stessa selezione e il gioco delle parole, i loro significati consentono di comprendere lo stato d'animo dell'eroe lirico.
Una tecnica interessante per creare figuratività è l'uso di lettere maiuscole nelle parole "Star", "Her", "Her". Pertanto, l'autore sottolinea l'importanza, l'indispensabilità dell'immagine dell'eroina lirica (personificazione)
Certo costruzione sintattica offerte ( membri omogenei frasi, frasi complesse) sembra suggerire il ritmo della poesia, il suo suono intonazionale.
Quindi, vocabolario poetico, sintassi: tutto ciò viene utilizzato dall'autore per esprimere il contenuto ideologico e tematico dell'opera e rende la poesia di Annensky originale e riconoscibile.
Una caratteristica del simbolismo di I. Annensky è che l'individuo nella sua poesia è un tutto piegato. E la tragedia, così inerente alle opere di I. Annensky, è trasmessa da una tecnica speciale di "flash semantico", dovuta a una selezione avara, ma accurata e corretta delle definizioni ("il dubbio è pesante", "stelle tremolanti") .
Nella poesia "Tra i mondi" non c'è una sola parola superflua, ogni parola è usata con contenuto esaustivo, ispirando forza e fermezza.
Tra i mondi, nel luccichio delle stelle
Una stella ripeto il nome...
Non perché la amo
Ma perché languisco con gli altri.
E se dubito che sia difficile,
Le chiedo solo una risposta,
Non perché è luce da Lei,
Ma perché non ha bisogno di luce.
La personalità di Innokenty Fedorovich Annensky è rimasta in gran parte un mistero per i contemporanei.
Molte persone ne hanno parlato: e suo figlio, Valentin Krivich ("per me personalmente, in mio padre, diversi completamente persone diverse»); e Maximilian Voloshin, che dopo aver incontrato il poeta nel 1909 osservò con sorpresa: “nella mia mente erano combinati molti Annensky, che non ho combinato in una sola persona”; e il critico A. Gisetti, che, rispondendo con un articolo alla morte di Annensky, ha sottolineato la convivenza in lui di "molti volti-mascherine che si contraddicono nettamente".
Il futuro poeta è nato a Omsk, dove il destino ha portato la famiglia di una figura amministrativa abbastanza grande F. N. Annensky. Alcuni anni dopo, gli Annensky si trasferirono a Tomsk e nel 1860 tornarono a San Pietroburgo. È noto da fonti di memorie estremamente scarse che Innokenty (Kenya per la casa) sembrava “un raffinato fiore della civiltà urbana [...]. Quasi fin dall'infanzia visse tra libri e libri […]. Entrando in palestra, il ragazzo si interessò alle lingue antiche, poi alla mitologia greca, alla storia e alla letteratura greca e romana. Il mondo antico aveva per lui un fascino speciale e presto si immerse in esso”.
A San Pietroburgo, Innokenty è cresciuto principalmente nella famiglia di suo fratello maggiore, Nikolai. In una nota autobiografica molto incompleta e non datata, il poeta annota che "deve tutta la sua esistenza [...] al suo essere 'intelligente'" a suo fratello e sua moglie, che appartenevano alla generazione degli anni Sessanta. N. F. Annensky, noto personaggio pubblico, giornalista, uomo di idee democratiche, ha fatto molto per la formazione del personaggio di suo fratello, ma le predilezioni poetiche di Innokenty gli sono sempre state estranee.
Il rapporto tra il giovane ei suoi genitori, a giudicare da tutto il materiale pubblicato, non è andato al di là della pura quotidianità, e quindi praticamente sconosciuta. Vale la pena ricordare un fatto curioso. Già studente del secondo anno, Innokenty è tornato per qualche tempo nel focolare dei suoi genitori. L'appartamento si trovava in un edificio all'angolo tra Pryazhka e Ofitserskaya Street ed è ora conosciuto come il Museo Alexander Blok. "Il giovane Annensky guardava il terrapieno deserto attraverso le stesse finestre", scrive l'autore di una monografia su di lui A. Fedorov, "in cui, più di quattro decenni dopo, l'autore dei Dodici la guardò alla fine del suo vita breve."
Il mondo antico, in cui Annensky, secondo il suo parente T. A. Bogdanovich, "se ne andò con la testa", divenne oggetto dei suoi interessi professionali. Nel 1878, Annensky si laureò alla Facoltà di Storia e Filologia dell'Università di San Pietroburgo e divenne insegnante di lingue antiche al ginnasio. L'attività pedagogica si rivelò essere la principale fonte del suo benessere materiale fino alla fine della sua vita. parlando linguaggio moderno, Annensky non è mai diventato uno scrittore professionista, cioè una persona che si guadagna da vivere con il lavoro letterario. I memoriali chiamano i problemi domestici come una ragione seria, anche se in superficie (si sposò presto con una vedova due volte la sua età con due figli); probabilmente, ci sono altre circostanze - in particolare, la sua comprensione del suo ruolo nel sistema dell'attività pedagogica, quando i discorsi della stampa liberale contro l'educazione classica si sono intensificati in Scuola superiore. “Un convinto difensore del classicismo ha il diritto di gettare giù il suo vessillo in un momento in cui è circondato da tutte le parti da nemici malvagi? Non sarebbe imbarazzante correre?" si chiese Annensky.
D'altra parte, lo stesso T. A. Bogdanovich ha notato tratti personali del poeta come l'autostima sviluppata "fino allo scrupolo", combinata con "l'estrema modestia" nella completa assenza di ambizione. Questo può spiegare il fatto che Annensky "non fece un solo passo per entrare in quel circolo letterario e culturale che potesse apprezzare il suo talento, e l'ambiente in cui si trovava (come insegnante, poi - direttore di un ginnasio a Kiev, Pietroburgo, Tsarskoye Selo, negli ultimi anni - l'ispettore del distretto educativo di San Pietroburgo, un vero consigliere di stato), era generalmente incline a considerare le attività "esterne" del suo collega come un capriccio.
Tuttavia, articoli sulla pedagogia, la storia della letteratura russa e antica e la mitologia antica, persino la traduzione di opere teatrali dell'antico drammaturgo greco Euripide (quest'ultimo, tra l'altro, è stato pubblicato nella Rivista strettamente professionale del Ministero della Pubblica Istruzione) non poteva portare un'ampia popolarità. Lo stesso autore ne era consapevole: “Non mi vergogno per niente di lavorare esclusivamente per il futuro, e ho ancora la speranza di completare la mia traduzione completa in cinque anni e analisi artistica Euripide - il primo in russo, a guadagnarsi una riga nella storia della letteratura russa - questi sono tutti i miei sogni ”(lettera ad A.V. Borodina, 29.XI.1899); “Non c'è pericolo che Euripide mi glorifichi, ma ancor meno, sembra, si può temere che mi corromperà con un afflusso di ricchezze” (lei, 14.VII. 1905).
Un "preambolo" così lungo per il poeta Annensky non è casuale. Il fatto è che Annensky è andato a quella parte della sua biografia, che si è rivelata la più breve, ma anche la più famosa, per molto tempo, si potrebbe dire - per tutta la vita, se teniamo presente che i suoi testi peculiari sono stati apprezzati solo postumi.
Annensky iniziò a scrivere poesie, per sua stessa ammissione, negli anni '70 dell'Ottocento, “e poiché in quegli anni non si conosceva ancora la parola simbolista, era un mistico in poesia [...]. Ho aderito fermamente alle parole di mio fratello Nikolai Fedorovich, che erano sprofondate nella mia anima: "Non pubblicare fino all'età di trent'anni", ed ero contento del fatto che le ragazze che conoscevo avessero riscritto le mie poesie e persino (beh, come potrei non diventare una femminista!) Impara a memoria queste sciocchezze. Dopo l'università, "le poesie si sono riversate di nuovo - grazie a Dio, solo che non sono state stampate" ... Di questo periodo furono pubblicati solo pochi frammenti che non predicono affatto l'aspetto del poeta, di cui, dopo aver letto il raccolta postuma "Cypress Casket", dirà A. Blok (in una lettera a V. Krivich): "... L'incredibile vicinanza dell'esperienza, che mi spiega molto di me stesso".
L'aspetto di tale Annensky è apparentemente dovuto a qualcos'altro. E qui è necessario, almeno brevemente, soffermarsi sull'opera di Annensky come critico letterario, adepto del metodo impressionistico nell'arte. Riflettendo sulla poesia nell'articolo “Balmont the Lyricist”, Annensky ha affermato: “Un verso non è la creazione di un poeta, non appartiene nemmeno al poeta, se vuoi…. Non è di nessuno perché non serve a nessuno ea niente, perché primordialmente, per l'ariosità stessa della sua natura, il verso è libero, e anche perché è un pensiero che non appartiene a nessuno ed è creato da tutti […]. Questo verso è una nuova parola brillante, che cade nel mare di quelli eternamente creati ... "E poco prima, nell'articolo" Cos'è la poesia? ", Preparato come prefazione a una nuova raccolta di poesie, ma non incluso in esso, Annensky scrisse che nell'arte delle parole, a suo avviso, "l'individualità si rivela sempre più sottilmente e senza pietà in modo veritiero [...] con la sua segreta e tragica coscienza della nostra disperata solitudine ed effimeralità", "Io, che cerca avidamente di assorbire in sé questo mondo e di diventarlo, facendolo tu stesso."
Ora è più facile spiegare l'"origine" del poeta Annensky.
Nonostante il valore generalmente riconosciuto del contributo di Annensky alle traduzioni del dramma antico e della "nuova" (in termini di inizio secolo) la poesia europea, i ricercatori hanno notato caratteristiche molto peculiari di questa sua attività. Così, il filologo classico F.F. Zelinsky, contemporaneo di Annensky, sottolineava che “Euripide per lui è una parte della propria vita, un essere simile a se stesso”, parando i rimproveri per la soggettività dell'interpretazione del testo greco antico, per la modernizzazione il vocabolario originale. Inoltre, va notato che la poesia francese, tedesca, belga e altre poesie nelle traduzioni di Annensky sono più un "doppietto" emotivo che una riproduzione esatta. Non c'è da stupirsi che il poeta spesso non abbia nemmeno segnato il nome dell'autore originale sui testi delle traduzioni. Con una di queste esperienze di traduzione si verificò un incidente assolutamente incredibile. Si tratta di un ciclo di poesie in prosa "Autopsia", fino ai primi anni '80. legato al primo periodo dell'opera originale del poeta, quando cercò, come spiegarono i critici, di risolvere un argomento socialmente significativo in modo romantico. Quasi per caso, è stato possibile stabilire che si trattava di una prima traduzione di poesie abbastanza tradizionali della poetessa italiana Ada Negri dalla sua raccolta Fate (Fatalita, 1892), che un tempo era molto popolare.
Sarebbe una semplificazione primitiva vedere questo come un tentativo di plagio. Annensky ha "assorbito" il mondo della cultura antica ed è diventato un "drammaturgo greco antico" - autore di diversi drammi poetici su argomenti antichi (tra quei "commedie per la lettura" che erano diffusi nell'opera dei poeti simbolisti, basti citare i nomi di Blok, Bryusov, Vyach, Ivanov, Sologub). Come traduttore di testi, ha "assorbito" le idee e i motivi del modernismo, della decadenza, del simbolismo europeo (la poesia di Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, Mallarmé, Prudhomme, Leconte de Lisle, Ch. Cros), che, in combinazione con il Tradizione classica russa di testi filosofici ( prima di tutto - Tyutchev) e ha dato impulso a un nuovo fenomeno originale nella letteratura russa: la poesia di Annensky. Continuando questo tema, puoi vedere, ad esempio, come attività pedagogica Annensky, sempre concentrato sui problemi delle persone ("... assorbi questo mondo ..."), unito all'intelligenza naturale ("... e diventalo, fallo tu stesso ...") ha portato al fatto che nella poesia russa del primo decennio del XX secolo. i versi più potenti del piano "civile", secondo il noto esperto di blocchi P. Gromov, sono "Antichi estoni" e "Pietroburgo" di Annensky.
È impossibile stabilire esattamente quando inizia l'opera di Annensky, presentata in due delle sue raccolte di poesie (la seconda è stata pubblicata dopo la morte del poeta), in quale ordine sono state create le sue opere. Annensky, con poche eccezioni, non datava le sue poesie, non le pubblicava su periodici, ma le raggruppava per raccolte secondo la sua logica interna. Sulla base della sua lettera ad A. V. Borodina del 7 gennaio 1901 ("... ho ripreso la selezione di tutte le mie poesie e traduzioni poetiche, che penso di pubblicare come un libro separato"), possiamo concludere che il la composizione delle future Quiet Songs fu sostanzialmente determinata in tre anni prima della pubblicazione (1904).
Il fatto stesso della pubblicazione è passato quasi inosservato nel mondo letterario. Sì, e non c'è da stupirsi: sullo sfondo di un luminoso, dichiarandosi ad alta voce anche con i titoli dei libri ("Masterpieces" di Bryusov, "We Will Be Like the Sun" di Balmont, "Gold in Azure" di Bely, "Poems di bella signora"Blok") poesia simbolista "Quiet Songs", il cui autore si è rifugiato dietro lo pseudonimo di Nick. Quindi, potevano contare sul successo solo in circostanze eccezionali. "Maitre" Bryusov ha risposto con educatamente condiscendente approvazione al poeta alle prime armi, due anni dopo, il giovane Blok, notando "l'impronta di fragile sottigliezza e vero talento" su una serie di poesie, ha registrato sia "ingenuità insipidi" che "eccesso decadente" , così come "epigrafe anonima e pseudonimo dubbio. Tuttavia, in una lettera a G. Chulkov (1905), Blok si espresse diversamente: “Mi piacevano terribilmente Silent Songs [...]. Nella recensione ho cercato di essere il più asciutto possibile…”
In generale, possiamo dire che il primo libro di poesie cambiò poco nella vita di Annensky. Le tragedie originali di Annensky basate su miti antichi (Melanippa il Filosofo, 1901; Tsar Ixion, 1902; Laodamia, scritta nel 1902, pubblicata nel 1906), pubblicate poco prima in piccole edizioni, potrebbero ancor meno attirare l'attenzione del grande pubblico. . Stranamente, ma gli eventi del 1905 furono di maggiore importanza per il destino di Annensky, al quale espresse inequivocabilmente il suo atteggiamento, difendendo gli studenti del suo ginnasio che si opponevano ordine pubblico. A seguito di una serie di alti e bassi, è stato trasferito alla carica di ispettore del distretto educativo di San Pietroburgo, a quanto pare, dalle più alte considerazioni sulla riduzione dell'influenza sulle giovani generazioni.
La creatività intanto è andata avanti come al solito. La traduzione delle tragedie di Euripide era completata e le trattative erano in corso per la loro pubblicazione un libro separato; fu scritta la quarta commedia poetica: il dramma bacchico "Famira-kifared" (stampato postumo, nel 1916 messo in scena da A. Tairov sul palcoscenico del Teatro da camera), continuò la creazione di articoli letterari-critici sulla letteratura russa e dell'Europa occidentale, che ammontavano a due "Libri di riflessioni" (1906, 1909); nacquero anche nuove poesie, ma per lo più rimasero conosciute solo dagli amici a casa. Solo il 1909 si rivelò una svolta nel rapporto di Annensky con il mondo letterario.
Questa "pausa", si potrebbe dire, aveva due ragioni. Uno è oggettivo, connesso con il confronto nell'estetica e nella filosofia del simbolismo di due concetti di visione del mondo: "Dionisianismo" e "Apollinismo"; l'altro è soggettivo, ovvero la "propaganda" nei circoli letterari di San Pietroburgo della creatività e della personalità di Annensky da parte del giovane Nikolai Gumilyov.
Maximilian Voloshin, ricordando il periodo di formazione della rivista simbolista Apollo, scrisse: “... è sorta la domanda: chi può essere opposto a Vyacheslav Ivanov e A. L. Volynsky come teorico dell'apollinismo? Poi si sono ricordati di Annensky. Né io né SK Makovsky avevamo un'idea chiara di Annensky. N. S. Gumilyov e A. A. Kondratiev, i suoi studenti della palestra Tsarskoye Selo, parlavano spesso di lui allora ... "
Sergei Makovsky, in qualità di iniziatore della creazione e redattore capo di Apollo, ha invitato Annensky a collaborare. Tuttavia, la cerchia degli autori e dei lettori della nuova rivista dei simbolisti non era sufficientemente ricettiva al livello del pensiero di Annensky. "Dall'autunno del 1909 iniziò la pubblicazione di Apollo", scrisse Voloshin. "I.F., a quanto pare, attribuì maggiore importanza alla proposta di S.K. La politica sfuggente di SK Makovsky e l'atmosfera estetica intrigante hanno agito in modo molto spiacevole nella vita editoriale di Apollo. Si sono creati diversi malintesi [...]. Vedi se. nell'editoriale di "Apollo" era tanto più offensivo e ingiusto, soprattutto per l'anno scorso la sua vita. Era una specie di mezza confessione. Era più appropriato per lui lasciare la vita completamente non riconosciuta. Indica in parte che Annensky ha preso sul serio la proposta di Makovsky e il fatto che quasi contemporaneamente all'inizio dei negoziati ha presentato le sue dimissioni (fu concesse pochi giorni prima della morte del poeta).
L'inclusione di Annensky come poeta e critico nel processo letterario contemporaneo è tutt'altro che trionfante. L'accordo sulla pubblicazione di poesie è stato violato da Makovsky già nel secondo numero della rivista; l'articolo del programma "On Modern Lyricism", eseguito nel modo impressionistico e altamente soggettivo caratteristico di Annensky, è stato accolto con freddezza. Apparentemente, in qualche misura, ha influito anche sul fatto che nel mondo letterario Annensky (filologo classico, traduttore, grande funzionario ministeriale) non avesse autorità come simbolista, come propria, mentre si sentiva e si comportava proprio come un maestro che aveva il diritto (con il tempo, questo è diventato ovvio!) e il talento di giudicare in modo imparziale i contemporanei più chiassosi e famosi.
Comunque sia, non è riuscito a imporsi in questo ruolo né a compiere altri passi. Il poeta morì di infarto alla stazione ferroviaria di Carskoe Selo il 30 novembre 1909.
Il secondo libro di poesie, The Cypress Casket, rimase incompiuto; fu pubblicato l'anno successivo da Valentin Krivich, figlio di Annensky. Ma anche qui il poeta fu sfortunato: il figlio non era troppo attento all'opera del padre, e quindi, in relazione alle poesie pubblicate postume, ci sono ancora disaccordi sulla composizione dello "Scatola di cipressi" (il lettore può confrontare le opzioni con con riferimento alle raccolte “Selected” (1987 ) e “Poems and Tragedies” (1990).
Molti anni dopo, lo stesso S. Makovsky scriverà di Annensky: “Poeta di profonda discordia interiore, pensatore condannato alla sordità dei suoi contemporanei, è tragico, come una vittima destino storico. Appartenente a due generazioni, a quella più anziana per età e abilità quotidiane, a quella più giovane per raffinatezza spirituale, Annensky, per così dire, ha unito i risultati della cultura russa, saturata all'inizio del XX secolo con l'ansia di tormenti contrastanti e insaziabile sogno.
La morte del poeta fu la ragione per l'inizio della comprensione della sua personalità e del suo lavoro. M. Voloshin, G. Chulkov, N. Lunin e molti altri hanno valutato la poesia di Annensky da diverse posizioni.
Molto è stato fatto per elevare il poeta Annensky al rango di classico dai suoi giovani contemporanei, i poeti acmeisti, che nella loro "battaglia" con il simbolismo si sono affidati alla sua eredità poetica. Anna Akhmatova ha chiamato Annensky il suo unico insegnante; "L'ultimo dei cigni Tsarskoye Selo" - Nikolai Gumilyov, che lo conosceva. È anche necessario menzionare gli scrittori che si sono uniti attorno alle raccolte "Harvest", e prima di tutto - Evgeny Arkhippov, poeta, critico, primo bibliografo di Annensky. Negli anni '20. c'era anche una società Kifara dedicata alla sua memoria. Non si può dire che negli anni successivi il nome di Annensky sia finalmente svanito nell'oblio. Entro il trentesimo e il cinquantesimo anniversario della sua morte, le raccolte furono pubblicate nella collana "Biblioteca del poeta"; in seguito, il suo lavoro è stato studiato da ricercatori sia nazionali che stranieri. Tuttavia, tra il poeta e il lettore c'è ancora una barriera invisibile, che mantiene il segreto del mondo poetico di Annensky.
E questo mondo, nonostante tutta la sua compattezza (sia in termini di quanto scritto sia in termini di integrità ideologica), non si presta a una caratterizzazione esaustiva. La critica identifica facilmente i "motivi principali" dei testi di Annensky: il motivo della vita e della morte, il motivo della solitudine, il motivo della doppiezza; i temi sociali hanno un certo significato, il tema dell'amore è presentato con molta parsimonia. Ma tutti questi motivi si rivelano indirettamente - attraverso le cose, gli oggetti, il paesaggio (Annensky amava e sapeva incarnarlo nella parola), che spesso non sono solo fenomeni del mondo materiale, un riflesso stato psicologico anima umana, e una riflessione estremamente soggettiva, impressionistica.
Di grande importanza nel mondo poetico di Annensky è la comprensione del confronto tra il mondo spirituale e quello materiale. La definizione di “mondo materiale” di L. Ginzburg, ormai divenuta classica in relazione al sistema figurativo di Annensky, significa che le “cose” nelle sue poesie acquisiscono facilmente il significato di simboli, e i simboli poetici improvvisamente “materializzano”, rivelando la loro contenuto crudamente naturalistico. È curioso tracciare tali trasformazioni in commenti reali su una serie di poesie del poeta, tuttavia, si può anche ricordare il credo creativo dell'autore, il quale credeva che "nella poesia ci sono solo relatività, solo approssimazioni - quindi non lo era, e non può essere altro che simbolico”.
Nel complesso, il mondo poetico di Annensky è, ovviamente, tragico. Ma non solo (e non tanto) perché contiene frequenti motivi e immagini di morte, disperazione, malinconia (solo nei titoli delle poesie questa parola è usata quindici volte, e nei testi è spesso scritta con la maiuscola - Tosca ), ma perché la personalità percepisce tragicamente la propria esistenza nel mondo che lo circonda, bramando di fondersi con esso e sentendo più e più volte solo una connessione dolorosa e senza speranza, un legame meccanicistico (termini concettualmente contrapposti da Annensky).
Il superamento degli "intermezzi tortuosi della vita" (parole di Voloshin), nella poesia di Annensky, è dato a una persona, che tende all'armonia con il mondo, a comprendere l'impossibilità di raggiungerlo, come l'impossibilità di fondere "io" e "non -I” (concetti filosofici di particolare importanza in estetica Annensky). Questa comprensione dà origine a una tragica ironia, che colora tutto il lavoro di Annensky, che ha cercato di "fondere" "l'occasione che crea lo spirito e la vita".
Edizioni a vita
Canzoni silenziose. Da agg. Sab. poesia. per. "I Parnassi ei dannati" - San Pietroburgo, 1904
Scatola di cipresso. Il secondo libro di poesie (postumo) - M., 1910.
La poetica di Innokenty Annensky ha assorbito e sintetizzato in modo bizzarro le tradizioni dei testi del 19 ° secolo, prima di tutto AS Pushkin e Tyutchev, così come la prosa psicologica russa. "Questo è il nostro Cechov in versi", hanno osservato i critici contemporanei.
Il simbolismo del poeta è inaspettato e associativo, le sue immagini sono originali in modo innovativo. I. Annensky, rifiutando il falso pathos romantico e il pathos, ha sollevato i diritti del proseismo poetico: "Era una soglia, un presagio di tutto ciò che ci è successo in seguito ...", scrisse Anna Akhmatova.
I testi di I. Annensky erano enigmatici, ma la loro enigmaticità non sta nella complessità, nella cifratura e nella vaghezza semantica, ma in una particolare durezza psicologica, che nasce come dal nulla, dalla “polvere verbale”, da alcuni futili legami: “Tra i mondi, in luci tremolanti..."
La poesia di I. Annensky "Tra i mondi" ci appare sotto forma di un monologo-confessione, in cui viene ricreato un intero mondo di sentimenti ed esperienze dell'eroe lirico. La poesia colpisce per l'unità di tono, forma e contenuto, che è intuitivamente percepita dal lettore.
Compositivamente, la poesia è composta da due quartine, ciascuna delle quali termina con un'anafora (ripetizione delle stesse parole):
Non perché la amo
E poiché io languisco con gli altri...
* * *
Non perché è luce da Lei,
E poiché con Lei non c'è bisogno di luce...
Negli ultimi due versi di ciascuna quartina l'autore usa la tecnica dell'antitesi (opposizione). La dimensione poetica di questo verso è giambica (accento sulla seconda sillaba), la rima è croce.
Il primo e l'ultimo verso della poesia riecheggiano internamente - mostrano attraverso il motivo della tristezza e della solitudine dell'eroe lirico (leibmotiv): "nel tremolio delle stelle", "Languo con gli altri", "il dubbio è pesante", “Prego per una risposta”, “non c'è bisogno di luce”. La stessa selezione e il gioco delle parole, i loro significati consentono di comprendere lo stato d'animo dell'eroe lirico.
Nonostante l'autore utilizzi principalmente verbi al presente (ripeto, languisco, prego), la categoria dello spazio e del tempo in questa poesia non può essere reale e definita con precisione.
Una tecnica interessante per creare figuratività è l'uso di lettere maiuscole nelle parole "Star", "Her", "Her". Pertanto, l'autore sottolinea l'importanza, l'indispensabilità dell'immagine dell'eroina lirica (personificazione)
La stessa costruzione sintattica delle frasi (membri omogenei di una frase, frasi complesse) sembra suggerire il ritmo della poesia, il suo suono intonazionale.
Quindi, vocabolario poetico, sintassi: tutto ciò viene utilizzato dall'autore per esprimere il contenuto ideologico e tematico dell'opera e rende la poesia di Annensky originale e riconoscibile.
Una caratteristica del simbolismo di I. Annensky è che l'individuo nella sua poesia è un tutto piegato. E la tragedia, così inerente alle opere di I. Annensky, è trasmessa da una tecnica speciale di "flash semantico", dovuta a una selezione avara, ma accurata e corretta delle definizioni ("il dubbio è pesante", "stelle tremolanti") .
Nella poesia "Tra i mondi" non c'è una sola parola superflua, ogni parola è usata con contenuto esaustivo, ispirando forza e fermezza.
Biglietto numero 6.
La prosa lirica di Bunin del 1900. Problemi, originalità di genere e stile . 900 anni - il maestro della prosa lirica, il narratore lirico cerca di capire "il segreto dell'inutilità e allo stesso tempo il significato di tutto ciò che è terreno". Cerca di comprendere il corso inesorabile della natura, il mondo naturale addolcisce i suoi dolori e la solitudine, nella natura vede "l'amore e la gioia di essere". Questa non è una visione del mondo cristiana, un'ode all'ascesi. Le domande sulla religione sono discutibili, un credente, ma non il cristianesimo. "Pini"- 1 racconto, dove la morte si presenta in tutto il suo formidabile mistero. Narrazione per conto di un narratore lirico. LG sta cercando di comprendere il mistero della sua vita. La morte è di natura immanente, intrinseca. In natura, la morte è un momento naturale del ciclo vitale. La cultura non dovrebbe morire. Leonardo da Vinci visse, ci sono dipinti. Non c'è morte nel mondo della cultura. Né la natura né la cultura conoscono la vita, solo l'uomo conosce la tragedia della morte individuale. Tutte le storie liriche sono un flusso di ricordi, la memoria qui è un principio strutturale. La trama lirica si muove in modo associativo. I ricordi possono essere più luminosi e più deboli, ma non cambiano. Il motivo per pensare alla morte nella storia è la morte del cacciatore Metrofan. Viveva in povertà, non ne era gravato. Ha vissuto obbedientemente alla natura, quando si è ammalato, il narratore ricorda di avergli suggerito di andare in ospedale, ha detto: "Non puoi aggrapparti all'erba". Il narratore riflette sull'umiltà della morte. Dopo la morte di Metrofan, arriva suo fratello, non è inorridito, parla con calma del tempo. La mente di LG pone solo domande, non può risolverle. Conversazione con un fratello: indifferenza o forza? Nella parte 3, il fratello si rifiuta di ragionare, qualcosa si rivela intuitivamente. Composizione sinfonica, 3 capitoli: 1. L'orrore della morte, un parallelo: una tempesta di neve notturna, una tempesta di neve nella foresta. "passa un uragano, il rombo della foresta risponde come il rombo di un organo." Confusione, orrore. 2. Al contrario, la gioia di vivere. Luminosa giornata di sole, tutto il villaggio si saluta con calma. Icona di bellezza della pace. 3. Il narratore torna a casa attraverso la foresta: “e non volevo più pensare a niente. Il ronzio dei pini parlava di eterna vita maestosa. La mente non risolverà il mistero della vita, una persona può avvicinarsi alla soluzione contemplando (la vita del mondo), entrando in empatia con essa, sintonizzandosi in modo sincrono sul suo ritmo. Secondo Bunin, non c'è natura separata dall'uomo. L'uomo fa parte della natura. Se una persona è un essere biosociale, Bunin sottolinea -bio (natura). Importante nell'interpretazione dell'amore. La poetica del paesaggio nel racconto Tecniche in poetica (dinamizzazione):- ricezione di un momento allungato, viene raffigurato un momento separato, ma che porta tracce del passato e delinea lo stato futuro, il movimento dalla terra al cielo. Ex. Il sole non è ancora nel cielo, ma sulle cime dei soli sta già giocando luce del sole; - scala colore e luce: bianco, verde. Ma se guardi le singole frasi, vedrai un rosso aggiuntivo. Ex nevicate nella radura si colorano di rosso (al tramonto), un cielo verdastro... Lo spazio domestico è sempre buio, il mondo della natura è luminoso. Non ha orizzonte, ma c'è una verticale, tutte le descrizioni della natura sono dalla terra al cielo. - ricezione del modulo tramite; - condizione dell'aria. Una delle prime opere significative è la storia "Le mele Antonov" del 1900. Funzionalità: un'opera senza trama, costruita sull'impressionista. cartello. L'odore delle mele di Antonov fa immaginare all'eroe cosa gli sia successo una volta in modo molto vivido. B parla del dono delle persone. percepire sensualmente il mondo, ma più di questo, sul dono della memoria. La memoria consente a una persona di rivivere e sentire ciò che ha vissuto una volta. In Ant.yab. parallela alla storia delle stagioni è la storia dell'appassimento dei nidi nobili.
La poesia "Occhi" della Cvetaevaè stato scritto nel 1918, quando il primo shock Rivoluzione d'Ottobre andato, la gente si assicurava che nuovo sistema- per molto tempo, e in generale non hanno davvero capito come vivere in questo nuovo paese.
Questo malinteso e questa confusione non potevano che ferire la famiglia Cvetaev. La poetessa viveva a Mosca, affamata e a disagio, suo marito combatteva nei ranghi dell'Armata Bianca, doveva sopravvivere da sola con sua figlia. Pertanto, il mondo fantastico delle prime poesie di Marina Cvetaeva è stato soppiantato dal mondo reale, con le sue amarezze e rivelazioni.
Tema dell'opera- occhi da contadino e inevitabile tristezza in essi. Non c'è una sola parola che indichi direttamente desiderio e amarezza. Tuttavia, la ripetizione “abituato alle lacrime” e l'aggettivo “salato”, che non è proprio adatto a descrivere gli occhi, non lasciano dubbi: questi occhi vedevano più dolore che gioia.
Nella prima e nella seconda strofa, la Cvetaeva indica il colore: il verde. Erano questi gli occhi che aveva la stessa Marina Ivanovna, quindi la poesia riflette, in larga misura, i sentimenti dell'autore. Non si può dire che questo sia un tentativo di provare l'immagine di una gente comune (che era molto apprezzata dall'intellighenzia creativa di quegli anni), anzi, il lettore è invitato a studiare la natura della poetessa.
"Sarei una donna semplice", - ripete due volte l'eroina, cercando di capire come sarebbe stata la sua vita allora. E l'audacia e l'incoscienza insita nel senso di sé della Cvetaeva irrompe anche qui: "questi occhi pagherebbero sempre per un soggiorno". E poi segue la deliberata modestia: "Io starei in silenzio, con gli occhi bassi", "dormi sotto una sciarpa monastica"... Questo passaggio dal divertimento al silenzio e all'umiltà riflette sia lo stato d'animo inquieto dell'eroina lirica, sia lo stesso stato d'animo tra quegli stessi contadini, di cui ha spiato gli occhi.
La stessa parola "occhi" ripetuto nell'opera nove volte in cinque stanze, sempre dentro posizione forte. L'accento in questa parola enfatizza l'ultima sillaba, la fine del verso e ogni stanza. E dopo aver letto, rimane l'impressione che gli occhi descritti appartengano non solo all'eroina lirica, ma all'intera nazione, donne, contadine. "Quello che hanno visto: gli occhi da contadino non cederanno!"- questa affermazione ti fa pensare a ciò che hanno visto. Terribile, amaro, morto... Nei versi del poema - l'autocoscienza di tutto il popolo, espressa attraverso una delle sue unità.
Dimensione poetica nel lavoro non è molto chiaro, fluttuante. Con intonazione diversa, può risultare un giambico di quattro piedi o un peone di due piedi, ma se teniamo conto dell'abbondanza di parole di due sillabe, sarebbe più corretto chiamare giambico. L'ultima riga abbreviata di ogni strofa sembra cancellare ciò che è stato detto, dando energia al verso. I numerosi trattini nel mezzo delle frasi, tanto amati dalla Cvetaeva, servono allo stesso scopo.
Ci sono pochi mezzi artistici ed espressivi nella poesia, la voce dell'eroina lirica suona con deliberata semplicità. Questa impressione è rafforzata dalle semplici parole: "donna", "aspettare", abbattuto, "rimasto". Le macchie sembrano molto naturali, come se l'autore fosse effettivamente in grado di trovarle dentro di sé. "spirito popolare", che è in ogni russo. E che risponde, vale la pena toccarlo.
Biglietto numero 7.
Il problema del carattere nazionale nei racconti di "villaggio" di Bunin degli anni '10. Periodo 2 - 10, la prosa diventa più analitica ed epica. Non si limita a contemplare, ma cerca di capire sobriamente cosa sta succedendo in Russia. Crea un ciclo di "lavori del villaggio": due storie: "Village" e "Dry Valley" - il nome della tenuta e diverse decine di storie. Bunin non si oppone a nobili e contadini. Questi sono gli stessi russi, l'anima è una. Il villaggio è una società unica. Bunin mostra quanto sia grande il ruolo degli istinti, il subconscio nel comportamento umano. Gli eroi delle storie di villaggio sono persone un po' strane, non di questo mondo. Più evidente è la loro relativa indipendenza dall'ambiente, questo è innato. Strani eroi reagiscono più bruscamente a tutto, notano tutto in modo più acuto. Bunin è tutt'altro che di parte, non dipinge i suoi eroi con una sola vernice nera. Nelle storie ci sono eroi gentili e mansueti: immagini luminose. La storia "Merry Yard" mostra l'immagine di una donna del villaggio Anisya con un destino molto difficile. Suo marito, un fornaio, beveva, e nel villaggio il cortile era chiamato allegro per derisione: quando suo marito si ubriacò, iniziò a picchiarla, a guidarla, il cortile disse: I Minaev si stanno divertendo di nuovo. Dopo la morte di suo marito, Anisya ha trasferito il suo amore a suo figlio Yegor, a cui non importa di lei. Nonostante il difficile destino, non si è amareggiata, è aperta al mondo, non rifiuta l'aiuto, nota la bellezza del mondo. Ci sono tre capitoli nella storia: una composizione di segmenti. Il primo capitolo è una storia su Anisya, 2 - su Yegor, sono autonomi, e 3 - la morte e il funerale di Anisya, la morte di Yegor, è in realtà anche divisa in 2 parti. Qual è il significato di questo modulo? Rompere il legame tra madre e figlio. Disintegrazione di legami strettamente correlati. Questa è una manifestazione di una catastrofe nazionale globale. Yegor vive da solo, muore anche lui. Egor ha trovato lavoro come sentinella nella foresta, non pensa che sua madre stia morendo di fame, Anisya vuole vedere suo figlio prima di morire, cammina lungo la strada, ha uno stato di svenimento, sta morendo, ma lei nota la bellezza di una giornata estiva, è stanca, si è seduta sul confine, ha raccolto un mazzo di fiori di campo. Le sembra che due tortore davanti a lei si siedano sulla strada, volano più lontano, sente canto corale. Nota la bellezza del mondo. Non vede Yegor. La tecnica del flusso di coscienza è una tecnica elitaria (M. Proust), Bunin è stato rimproverato di essere elitario, ma Bunin ha applicato questa tecnica all'immagine di una semplice contadina, questo è un flusso di sensazioni, di coscienza, non di pensieri. Nella storia, oltre ad Anisya, viene data l'immagine di suo figlio Yegor: strana, misteriosa, internamente contraddittoria. All'inizio ha parlato di quanto velocemente si sarebbe impiccato, della sete di autodistruzione. Un fornaio, arte, ma non può vivere in un posto, vuole andare da qualche parte. Mi sono messo in contatto con i mercanti, mi sono quasi congelato nella steppa. Poi ho speso il resto dei miei soldi. Vivere una costante malinconia, sete di morte, non pensa a sua madre. All'inizio sembra che la morte di sua madre non abbia cambiato nulla nella sua vita. Si è comportato in modo brutto al funerale, si è sentito al centro dell'attenzione, della follia, della recitazione, del desiderio di recitare. Ma dopo la partenza della madre, il suo ultimo legame con il mondo è stato interrotto, è invecchiato, non aveva nulla per cui vivere, si getta sotto un treno. Non ci sono solo cause sociali, ma anche un difetto innato nella psiche. Un altro esempio di carattere leggero è personaggio principale nella storia Zakhar Vorobyov, l'eroe, il proprietario di opportunità non spese, il suo lavoro è buono, vuole compiere un'impresa. Si rende conto che viene da una specie di eroi. Ma muore anche questo eroe, muore assurdamente. Nella calura estiva, beve un quarto di secchio di vodka per una scommessa - 2,5 secchi, vince la scommessa. Esce e cade per strada, muore. Ma queste persone hanno un inizio brillante. In altri eroi predominano le passioni distruttive, gli istinti ciechi. "Chiacchiere notturne" La storia è polemicamente diretta con la storia di Turgenev "Bezhen Meadow". L'eroe intellettuale si presenta di notte (con i ragazzi), ecco un giovane studente con uomini adulti. Ma il risultato dell'incontro con la gente è il contrario. Turgenev mostra migliori qualità Popolo russo: il coraggio di Pavlusha. Bunin è diverso: studente, vacanze, illusioni populiste, giornate intere di lavoro nei campi con i contadini. Va con i contadini, raccontano storie - come si uccideva - da una capra a un uomo, si raccontano senza un brivido, senza rimpianti e pentimenti. Lo studente torna a casa la mattina scioccato, non credeva in loro un clandestino psicologico.
La poesia di Bryusov "La prima neve". Raffigurando la natura, i poeti russi descrivono le loro terre d'origine, i paesaggi dell'Europa centrale, i fenomeni naturali: pioggia primaverile, freddo invernale, disgelo precoce, caldo estivo.
Nella poesia "First Snow" V. Ya. Bryusov descrive l'inizio dell'inverno e l'apparizione della prima neve, quando il mondo intero si trasforma e una persona si sente partecipe di una fiaba bianca.
Scrittori e poeti hanno ritratto la prima neve in modi diversi: naturalisticamente concreti o con insolite associazioni poetiche.
Per l'eroe lirico V. Bryusov, la prima neve è associata fiaba, con un sogno dove ci sono fantasmi e sogni, si svela:
Questo mondo di incantesimi
Questo mondo d'argento!
Il poeta sta suonando mezzi artistici, creando epiteti e metafore stravaganti. Ad esempio, l'epiteto di colore bianco è opposto al contrario di nero nudo. Così il poeta descrive le betulle prima che appaia la prima neve. L'eroe lirico è affascinato dall'immagine che si apre davanti a lui, quindi ci sono molte frasi esclamative nel testo della poesia:
Argento, luci e scintillii -
Tutto un mondo d'argento! ..
Questo è il regno del sogno di qualcuno
Questi sono fantasmi e sogni!
L'immagine artistica impressa è per l'eroe lirico l'incarnazione di un sogno, la divina provvidenza. A causa della prima neve, non solo la vita della natura si trasforma, ma anche le persone che iniziano a sentirsi in un modo nuovo:
Equipaggi, pedoni,
Fumo bianco sull'azzurro
La vita delle persone e la vita della natura
Pieno di cose nuove e sante.
Questa poesia è scritta in quattro piedi trocaico, grazie al quale viene trasmessa l'ispirazione dell'eroe lirico dall'incontro con la prima neve.
Quindi, "The First Snow" di V.Ya. Bryusova descrive uno dei fenomeni naturali ed esprime i sentimenti dell'eroe lirico, il suo fascino per la prima neve.
Biglietto numero 8.
Comprendere il destino della Russia nella storia di Bunin "The Village". Originalità di genere della storia. Nel 1910 fu pubblicata la storia di Bunin "The Village". Un posto importante nel lavoro di Bunin è stato occupato dalle sue riflessioni sulla misteriosa anima russa, che sono state più pienamente incarnate in questa storia, che ha fatto scalpore con la sua spietatezza, coraggio e sfida alla saggezza convenzionale, questa storia gli ha portato la vera fama. Bunin si è unito alla discussione su carattere nazionale , sul destino della Russia e del popolo russo. I contemporanei furono colpiti nella rappresentazione del villaggio da parte di Bunin non da una vera descrizione della sua povertà materiale - questo era già familiare in letteratura, ma da un'indicazione di "desolazione" dell'anima. Bunin è sicuro che i problemi della Russia siano radicati proprio nella sfera spirituale e non materiale. La modernità, la guerra con il Giappone, la rivoluzione si riflettono nella storia solo indirettamente, il suo materiale principale è la vita quotidiana, in cui, secondo l'autore, è visibile l'immagine di tutta la Russia. Il villaggio si chiama Durnovka. Bunin vede la Russia proprio come un paese di villaggi. L'idea dell'autore è del popolo russo senza idealizzazione. L'asprezza della campagna è quindi intenzionale e insolita: è lavoro "primitivamente duro", vita selvaggia "di caverna", moralità feroce, bellezza museruola, un tono generale brutto, "grigio" della storia, che penetra anche nel paesaggio. Anche una persona (uno degli eroi) è chiamata grigia. Nelle persone, l'autore sottolinea gli istinti oscuri, la morale crudele, la distruttività della passione. La maggior parte dei personaggi fa cose stupide. Ricordano canzoni, detti, poemi epici russi. Non esiste una morale cristiana. Ai nativi di Durnovka, ai fratelli Krasov - Tikhon e Kuzma, viene assegnato il posto principale nella narrazione e queste figure, il loro angolo di campo, ne determinano il tono. Si tratta di individui che si sono appena separati dalla massa contadina generale e in qualche modo vi si oppongono: il ricco Tikhon Ilyich - come nuovo proprietario, il contadino - "padrone", e Kuzma - come contemplativo, poeta, osservante e meditativo la vita circostante. I loro punti di vista sono polari. In questi scontri emergono anche le fluttuazioni, il punto di vista dell'autore, la sua predilezione per la visione di Kuzma. Alla domanda su quale sia il principio determinante - storia o carattere, l'anima del popolo, da cui dipende il corso della storia - Bunin non dà una risposta univoca. I due personaggi principali di The Village, i fratelli Tikhon e Kuzma, portano una contraddizione simile. Tikhon è uno di quei contadini: kulak, intelligenti, pieni di risorse, forti, che in questo momento si trasformano in "maestri". Diventa il proprietario del feudo "principe in principi". Per lui la cosa più importante al mondo è il “caso”, è più importante delle “esecuzioni” di cui il fratello legge sui giornali, esso, il “caso”, divora la vita di se stesso e di chi gli sta intorno lui. Il destino di Tikhon è odiare i contadini ed essere odiato da loro. Kuzma non è un contadino, non un maestro, un poeta autodidatta, un "anarchico", un uomo senza casa, senza famiglia, senza meta. Questo "strano tipo russo" si trova spesso a Bunin. In "The Village", oltre a Kuzma, lo riconosciamo in una personalità diversa - nell'immagine del contadino Gray, barcollante "di cortile in cortile". Una delle caratteristiche più sorprendenti di Rus Har-ra è l'assoluta incapacità di vivere una vita normale e l'avversione per la vita di tutti i giorni. Il lavoro quotidiano con un tale senso della vita è una delle punizioni più severe. Tuttavia, l'apatia nella vita di tutti i giorni è sostituita da un'energia inaspettata in circostanze straordinarie. Quindi uno dei personaggi del "Villaggio" - Gray è troppo pigro per chiudere i buchi nel tetto, ma è il primo ad andare al fuoco. Descrivendo la maleducazione, l'invidia, l'ostilità, la crudeltà dei contadini, Bunin non si concede mai un tono accusatorio, è estremamente sincero e obiettivo. Tuttavia, questa non è una fredda affermazione della realtà, ma pietà e compassione per i "precipitosi e sfortunati". Gorky scrisse a Bunin che "così profondamente, così storicamente, nessuno ha preso il villaggio". La prosa di Bunin è caratterizzata dalle principali proprietà del discorso poetico: tensione emotiva e struttura ritmica. Essa (prosa) coglie la ricchezza delle osservazioni e dei colori, la forza e la bellezza del linguaggio, l'armonia dello stile, la sincerità del tono e la veridicità. La storia mostra la degenerazione materiale e spirituale del villaggio. Bunin delinea molti misteri dell'anima russa, che parlano della difettosità della psiche nazionale: la malinconia russa è l'incapacità di vivere una vita normale. Disgusto per la vita di tutti i giorni. La necessità di una "vacanza", nelle condizioni del paese, si traduce o in ubriachezza o in ribellione. Non dare valore alla tua stessa vita, alla vita di un'altra persona. Un sacco di morti stupide. Discordia tra parola e azione. Il paradosso è che la storia è epica in termini di materiale, lirica in termini di come è organizzata la materia, perché nell'epica - le cause danno luogo a una conseguenza, qui la trama non è una catena di eventi che si sviluppano autonomamente, il la trama si sviluppa in modo associativo, rivela la coscienza quotidiana di una persona che non riesce a comprendere l'assurdità dell'essere. L'immagine è davvero caotica, priva di scopo. Non c'è polarizzazione tra bene e male, bugie e verità nella storia. La storia si conclude con un episodio del matrimonio di Young e Deniska. Il prete legge le parole della Bibbia, che nessuno capisce, quando tornano al villaggio, inizia una tempesta di neve, un simbolo del destino. Di conseguenza, il pathos della storia è la mancanza di speranza per il futuro, la disperazione è il motivo di una bufera di neve.
Sologub "NON toccare al buio." Questa poesia è una delle opere più mistiche di Fëdor Sologub. Ciascuno dei suoi versi è permeato dalla paura e dall'orrore di qualcosa di sconosciuto, ostile all'uomo. Questa paura della vita, o meglio, della sua imprevedibilità, l'impossibilità di trovare un punto d'appoggio e l'immersione costante in una specie di pantano in cui si sta soffocando, ma anche dall'impossibilità di sfuggirvi, ha attraversato tutta la poesia di F. Sologub. E i sentimenti di una persona messa alle strette, che si è trovata faccia a faccia con gli abitanti incorporei di questo mondo, il poeta è riuscito a trasmettere con incredibile autenticità nella poesia "Non toccare nel buio ...". Ha davvero seguito il suo principio di “raccontare quello che c'è dentro di te”, quindi, senza alcun dubbio, voglio credere alle sue parole, seppur spaventose, ma non prive di una sorprendente sincerità.
“Non toccare al buio” è un appello, un appello al lettore con una richiesta: “Non toccare al buio ciò che non è familiare”. Sorprendentemente, ciò che spaventa l'eroe non viene nominato nemmeno una volta durante l'intera poesia. Il lettore, solo per gli accenni così caratteristici dei simbolisti, è lasciato a indovinare che tipo di creature siano. Ogni volta sono chiamati in terza persona: “quelli che stanno a proprio agio in casa”; “chi era con loro almeno una volta”; "lui"; "lei è". L'unica caratteristica specifica di queste creature è il non morto. Ma cosa sono questi non morti? Come appare? Da dove proviene? Piuttosto, qui quegli spiriti che non hanno il proprio aspetto, assumono i travestimenti di qualcun altro. E infatti, negli ultimi versi della seconda strofa e nel primo verso della terza, F. Sologub riesce a trasmettere l'aspetto sfuggente, quasi sfuggente di queste creature:
Occhi verdi lampeggianti
Un veloce graffio dell'unghia, -
Fai finta di essere un gatto
Vediamo letteralmente nel buio lo scintillio degli occhi verdi lampeggiare all'istante e poi spegnersi, sentiamo il suono di un artiglio che graffia il pavimento. L'epiteto "veloce" riflette accuratamente l'incapacità di vedere chiaramente, fissare la propria attenzione su una creatura che può essere allo stesso tempo in angoli diversi stanze e, allo stesso tempo, c'è anche la paura degli artigli dei non morti, dai quali non avrai il tempo di nasconderti. Ma tutta la nostra fiducia che siamo riusciti a vedere almeno un po' i non morti, F. Sologub distrugge con una sola frase: “fingi di essere un gatto”. Questo non è il suo vero aspetto, ma solo una maschera, una maschera sotto la quale una persona non è destinata a guardare.
Questa creatura sconosciuta decide da sola cosa fare con una persona che è completamente in suo potere. Forse è venuto per giocare con lui, portarlo a un orrore mortale, o forse sedurlo, cosa che era già stata incontrata nei testi di F. Sologub.
La quarta strofa trasmette la disperazione della situazione di una persona, l'incapacità di sfuggire a questa rete che ti impiglia e ti soffoca: "ovunque tu vada, appariranno le terre desolate ..." La parola "terreni" non è un'invenzione di F. Sologub, si trovava prima nel dialetto dei contadini di Tver, ma gli diede un significato speciale, suo, che era stato spesso fatto da molti altri simbolisti. "Wasteweed" è un simbolo di qualcosa di vuoto, non necessario e allo stesso tempo dannoso e distruttivo.
Nella quinta strofa del poema riappare l'immagine misteriosa e mistica del "compagno di stanza". E ancora, F. Sologub ci dà solo un accenno di chi è (“con la guancia trasparente”). Questo non è più un non morto in forma di gatto, ma una creatura incorporea, non meno, e forse anche più terribile, spaventosa.
E, infine, l'ultima strofa riflette la sensazione a cui F. Sologub ci ha gradualmente portato durante l'intera poesia: "terribile paura". Il poeta, i cui testi erano molto avari di epiteti, non poteva ancora fare a meno di dare alla sua parola preferita “paura” una definizione di “spettrale”, non contraddistinta da particolari pretese, ma molto capiente.
È anche possibile un'interpretazione ambigua dell'immagine dell'oscurità che appare nella strofa di apertura del poema. Cos'è questa oscurità? Qui non intendiamo solo l'assenza del giorno, della luce, ma, forse, l'oscurità simboleggia l'ignoto, la vita di una persona. L'eroe lirico chiede di "non toccare ciò che non è familiare nell'oscurità".
Il poeta riesce ancora a convincerci della sincerità di questo monito attraverso la "magia delle parole", attraverso il suono della sua voce. L'allitterazione dei suoni "t", "sh", "p", cioè consonanti sorde, dà alla maggior parte delle stanze una sorta di sussurro, come se fossi avvertito di qualcosa di formidabile, terribile nel tuo orecchio, tranquillamente , in modo da non svegliare i non morti che fanno la guardia nell'oscurità di qualsiasi persona, il che intensifica ulteriormente l'atmosfera di paura.
Biglietto numero 9.
Sociale e filosofico nei racconti di Bunin "The Gentleman from San Francisco", "Brothers", "Chang's Dreams". 3 periodo di creatività, 2 metà 10. 1913-1917, sociale e filosofico nei racconti. Il suo atteggiamento nei confronti del mondo è finalmente formato, la scala filosofica del suo lavoro si espande, riflette sul destino di una persona in generale e non solo di un russo. interesse in Oriente. Durante questo periodo, Bunin interpreta il male sociale come un caso speciale di male ontologico e universale. Tutti gli eroi di Bunin sono persone con un elevato senso della vita. "Fratelli". Composto da 2 blocchi paralleli. Ma la storia si chiama "fratelli" senza ironia. Le storie sono contrastanti, ma gli eroi hanno in comune l'inevitabilità della sofferenza e della morte. Trama: un giovane, veloce, forte, porta gli europei, vive in una pianta narcotica, risparmia soldi per sposarsi. La ragazza viene venduta dal padre a un bordello per europei, il rigshe compra un serpente, con l'aiuto del quale si suicida. Rigshe soffre di una bruciante insoddisfazione del desiderio, da cui solo la morte lo salverà, e l'inglese è stanco della sazietà, pieno di mancanza di desiderio, dell'insensatezza della vita. Entrambi sono condannati. La poetica, per lui insolita, compare nei racconti: simboli, allegorie, parabole. La storia "Fratelli" si conclude con una parabola. L'inglese maledice Ceylon. Ha un sogno in cui tornare vecchia luce, verso l'Europa. Tratta con il capitano della nave russa, l'inglese racconta la leggenda dell'elefante: "l'elefante, tormentato dal desiderio, cadde dalla scogliera..., il corvo la beccò avidamente...". Più una persona si sforza di ricevere piacere, più è vicina alla morte. "Signore di San Francisco » All'inizio - l'idea del male sociale, il maestro viene mostrato con ironia, non a caso senza nome. La città è industrializzata. La nave Atlantis è mostrata, come in una sezione verticale: in alto c'è un pubblico benestante, nella stiva i fuochisti. Viene sottolineata la falsità della bellezza e della civiltà. Anche una coppia raffigurante amanti. In Italia, invece dell'intrattenimento, trova la morte, ma la storia non parla solo della morte di una civiltà capitalista, della macchina. Sulla morte del mondo in generale. Bunin prevede la morte di tutto umanità moderna corroso dai vizi. Tecniche che ampliano il cronotopo, significato filosofico: il nome della nave "Atlantide", in origine c'era un'epigrafe - guai a te Babilonia, antica città. Alla fine - ancora una volta l'immagine della nave, ma di lato, dall'esterno, da un punto di vista cosmico. Il motivo per scrivere la storia è stato l'affondamento del Titanic. Il Titanic è l'ultima conquista. La nave nella storia della cultura è un simbolo stabile di civiltà. Robinson Crusoe ha tutto ciò che viene portato dalla nave. Alla fine viene mostrato che le persone sulla nave sembrano essersi sistemate saldamente, in modo affidabile, comodamente. C'è un capitano, un operatore radio. Bunin mostra che la nave è una nave persa tra 2 abissi: una tempesta e un abisso dell'oceano lungo un chilometro, la vita di ogni persona è sempre in bilico. L'idea della fragilità della vita, le persone sono solo ingannate, si sentono padroni della vita. Il tema dell'impasse storica in cui sono entrate l'America e l'Europa. * cambia l'atteggiamento dell'autore nei confronti del maestro - il sarcasmo all'inizio, scompare alla morte - un vecchio morto. Si scopre che morendo, l'eroe si unisce alla vita, agli eroi. Ma non precipita nell'armonia, ma nel caos, nella disarmonia. Questo simbolo della tempesta oceanica è un simbolo stabile della roccia (ginestra nel "villaggio"). "I sogni di Chang". Il fenomeno della vita in generale, il racconto sull'analogia tra il padrone e il cane. "L'attenzione merita tutti coloro che vivono, che hanno vissuto sulla terra." La storia del capitano è la storia eterna della vita umana, segni - Odessa. Vita felice crolla sotto i colpi del destino. La moglie tradisce il capitano, parte con la sua piccola figlia, il capitano inizia a bere, fa arenare la nave, è stato cancellato a riva. Vive le sue giornate solitario, semi-povero, si sveglia tardi, trascorre il tempo nelle taverne, nei pub con un cane. I pensieri dell'eroe includono pensieri su Tao e Buddha (il Tao è un percorso immutabile), il principale dispositivo compositivo è l'alternanza di piani del presente e del passato, sogno e realtà. Il proprietario si sveglia con difficoltà, il vecchio Chang, in qualche modo raggiunge il ristorante, versa la vodka a Chang (diventa all'istante un alcolizzato, Chang si addormenta, si vede come un cucciolo, vede il proprietario è giovane, felice, il ponte brilla, l'oceano turchese , la gioia di vivere). Il capitano chiama Chang, Chang vede grida da ubriaco, una strada umida. Anche nella prossima taverna, di nuovo. Sogno e realtà cambiano. Semantica: il mondo torna costantemente. 2 verità si sostituiscono costantemente: 1. la vita è indicibilmente bella 2. la vita è così terribile che è concepibile solo per un pazzo. Tragico maggiore, ossimori: "è terribile vivere nel mondo, è molto bello e terribile" - Capitano. Luce e oscurità, bene e male sono le essenze immutabili del mondo. L'uomo non può risolvere la loro contraddizione. Tutti sono destinati allo stesso account. La tragica visione del mondo si intensifica, si infittisce. Ma durante questo periodo ci sono ancora alcuni momenti che superano la coppa del bene e del luminoso sulla bilancia del destino. Momenti: - la morte di una persona che è assolutamente fusa con la natura non è tragica. Non affermando egoisticamente il suo "io". "Dreams of Chang", in finale - 3 veri. La memoria e l'amore sono le forze che si oppongono al tempo e alla morte. Il capitano muore, Chang viene lasciato solo, ma compare un artista, un amico del capitano, lo prende in se stesso: "finché Chang vive, ricorda il capitano, il capitano non è scomparso senza lasciare traccia".
Mio poesia preferita I. Annensky:
TRA I MONDI
Tra i mondi, nel luccichio delle stelle
Una stella ripeto il nome...
Non perché la amo
Ma perché languisco con gli altri.
E se dubito che sia difficile,
Sto cercando una risposta da lei sola,
Non perché è luce da Lei,
Ma perché con Lei non c'è bisogno di luce
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Cos'è questa poesia enigmistica, che tutti percepiscono solo come una storia d'amore? In qualche modo, molti critici lo analizzano astutamente e riccamente.
Sì, un monologo-confessione sulla solitudine. Così scrivono alcuni critici, ma soprattutto su caratteristiche artistiche. Ma - si tratta solo di versi di malinconia e solitudine? Penso di no! Certo, e anche sull'Amore. È vero, questa è la mia lettura - che dire di un Amore segreto, profondo e forte.
Altrimenti, dove metteremo le parole: "Ripeto il nome di una Stella...", oppure - "Languo con gli altri"? Perché le parole "Stella" e il pronome "Lei" sono in maiuscolo?
Perché - "Ripeto il nome di Una Stella... / Non perché l'ho amata" - con "cosa", cioè nel senso di "non per me amarla" (non posso amarla!), altrimenti sarebbe "COSA l'ho amata" (cioè, l'ho amata, e va tutto bene), invece di "cosa ". E l'autore è un brillante linguista e critico! Non ha parole a caso.
E perché "Lei non ha bisogno di luce"? Penso che nei suoi pensieri sulla sua amata (dopotutto, non c'è vicinanza fisica), sia così sopraffatto dalle emozioni e dalla LUCE che la sua LUCE era abbastanza per DUE - per la donna amata e per lui, ed era come un FUOCO CELESTE per loro - GENTLE, S GENTLE FLAME ... Una poesia misteriosa - su un amore misterioso ...
Sì, romantico, agrodolce e mistico era il suo Amore, nascosto al mondo e alla società - a Olga Khmara-Barshchevskaya. Non voleva, non poteva fare del male a suo marito. Non scriverò molto su questo, ma darò un frammento della sua lettera a Vasily Rozanov, dove tutto sul loro Amore è detto in modo chiaro e comprensibile:
“Mi chiedi se ho amato Innokenty Fedorovich? Dio! Certo che amavo, amo, e il mio amore è “plus fort que mort”... Ero sua moglie? Sfortunatamente no. Vedi, dico sinceramente "ahimè" perché non ne vado fiero per un momento. Quella connessione, che è patrocinata dal "serpente angelo", tra noi non lo era. E non perché avessi paura del peccato, o non osassi, o non volessi, o mi cullassi con false assicurazioni che si può amare con due metà del cuore - no, mille volte no! Capisci, cara, non voleva questo, anche se, forse, amava davvero solo me. Ma non potendo attraversare, fu ucciso dal pensiero: “Cosa sono? Prima ho portato via la madre al mio figliastro, e poi porterò mia moglie? Dove posso nascondermi dalla mia coscienza?
Il fatto è che in parte eravamo dei mistici. Dopotutto, ti confesso come un vero amico - sono così felice di averti trovato! Anche se dopo, quando mi incontrerò, non potrò guardarti subito negli occhi - succede: a distanza non ammetti niente, ma quando ti incontrerai rimarrai imbarazzato dagli occhi di un amico, un amico spirituale speciale come te per me, di cui non puoi nemmeno immaginare l'espressione del tuo viso, non puoi quali occhi. Ma comunque, ascolta la fiaba della mia vita - anche se sento come volevi qualcos'altro ...
Non ha permesso legami carnali, ma abbiamo sposato le nostre anime,
e solo noi due lo sapevamo, e ora lo sai. Con quale diritto? Perche tu? Il Signore lo sa. Significa, quindi è necessario - mi sottometto e solo. Tu chiedi: "Come si sono sposate le anime"? Molto semplice. All'inizio della primavera, in una mattina limpida, eravamo seduti nel giardino della dacia di Eberman, e all'improvviso si è riconosciuta la follia del desiderio di fondersi, il desiderio di dolore acuto, di sofferenza, di lacrime fredde. Ricordo ancora adesso come crepitarono le dita delle mani irrimediabilmente serrate, e come un gemito mi sfuggì dal petto, e lui disse: “Vuoi essere mio? In questo momento, in questo momento? Vedi questo piccolo ramo sulla betulla? No, non questo, ma quello, laggiù, in alto sullo sfondo di una nuvola. Vedere? Guardala da vicino, e io la guarderò con tutta la passione del desiderio. Silenzio. Ora, lungo i raggi dei nostri occhi, le nostre anime a questo punto si fonderanno, Lelenka, si fonderanno per sempre…”. Oh, che sensazione di beatitudine, estasi, follia, se vuoi - il mondo intero è annegato in un attimo! Ci sono abbracci senza baci. Non è un miracolo? No, non un miracolo, ma naturale. Mi capirai, perché capisci tutto... E poi scrisse:
Non potremmo invidiare gli occhi,
Solo una volta abbiamo intrecciato mani fredde
E, tremando, lasciarono rapidamente il giardino...
Solo una volta, questa volta...
Bene, questo è tutto, assolutamente tutto. Ed è morto per il mondo, per tutti, ma non per me. La sua anima vive nella mia anima mentre io stesso respiro. La morte non me l'ha potuta togliere, non l'ha portata via, e io porto in me questa sua anima.
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Come puoi vedere, la sua amata Olga ha scritto qui: "abbiamo sposato le nostre anime" ...
Sì, era Amore non carnale, anche se poteva essere ancora più profondo e passionale, eterno, che non ha fine. Sono stato io. Annensky e il suo Amore a cui ho dedicato i miei versi (se qualcuno non ha capito):
E le scarpe non sono cadute per terra,
E non c'erano incroci di mani,
E la cera non gocciolava sulla tovaglia,
E agrodolce era quel cerchio
dove lontano, nel cielo alto,
In un silenzio indescrivibile
Uniti come cigni dalla tenerezza
E due anime si sono sposate...
Recensioni
Certo, cara L-sa S-yeva, queste sono le belle e uniche battute di Innokenty Annensky, e "nella vita di ogni donna dovrebbe esserci solo una grande e vero amore", ma per quanto mi ricordo, Innokenty aveva anche poesie d'amore molto giocose. Come affrontarle, anche la pelle è una persona ...
Caro Leo Kigel, scrivi più di te stesso che di Annensky. Le fantasie in poesia (alcune), inoltre, spesso fraintese, non lo sono vita reale poeta.
Leggi i due volumi delle sue lettere, le memorie dei suoi contemporanei - e tutto ti sarà sempre più chiaro. Era una persona molto riservata, pubblicò anche le sue poesie per la prima volta all'età di 49 anni!!! E poi... - però, studia la sua vita e lavora tu stesso. Questo è il modo più sicuro per formarsi un'opinione più veritiera sulla personalità del poeta e sui fatti della sua vita.
Grazie per il tuo feedback e la tua opinione
Innocenza Fëdorovic Annensky
Tra i mondi, nel luccichio delle stelle
Una stella ripeto il nome...
Non perché la amo
Ma perché languisco con gli altri.
E se dubito che sia difficile,
Sto cercando una risposta da lei sola,
Non perché è luce da Lei,
Ma perché con Lei non c'è bisogno di luce.
Nel 1910, la prima raccolta postuma di Annensky, The Cypress Casket, fu pubblicata da suo figlio. Il libro è composto da molte parti. L'ultima sezione, chiamata "The Scattered Sheets", includeva la poesia "Among the Worlds". Innokenty Fedorovich lo scrisse a Carskoe Selo poco prima della sua morte, nell'aprile 1909. Un costante interesse per l'opera persistette per tutto il XX secolo. Per molti versi, il successo è stato assicurato dalla straordinaria musicalità dell'ottagono. Molti compositori si sono rivolti a lui: da Alexander Vertinsky a Boris Grebenshchikov. Ognuno di loro ha scoperto qualcosa di nuovo nella poesia, ha trovato qualcosa di personale, di intimo.
Il simbolo dell'unica stella misteriosa diventa il principale nell'opera di Annensky. Il suo eroe lirico cerca una risposta quando è sopraffatto dai dubbi, con Lei non ha bisogno di luce. È estremamente solo. Sembra che non abbia nessuno oltre alla Stella. I sentimenti provati dall'eroe lirico in relazione a Lei sono immutati. Così la Stella diventa la personificazione della speranza, della fede nei valori eterni, senza tempo, in un mondo dove prevalgono i dubbi. Inoltre, la sua immagine è associata a un tema d'amore. Si comporta come l'unica prescelta. Allo stesso tempo, Annensky considera l'amore non terreno, fisico, ma spirituale, rivolto a sfere più elevate. Di conseguenza, il sentimento dell'eroe lirico è diretto non tanto a un rappresentante specifico del gentil sesso, ma a un ideale astratto. Secondo un certo numero di ricercatori, l'ideale dovrebbe essere inteso come poesia. Così, in una poesia, Annensky combina il motivo della creatività con il motivo dell'amore perfetto.
La solitudine che permeava l'opera "Tra i mondi" era uno stato caratteristico per lo stesso Innokenty Fedorovich. Non ha mai aspirato alla fama e al riconoscimento popolare, per molto tempo ha percepito la sua esperimenti letterari non seriamente. Il poeta pubblicò la prima e unica raccolta a vita quando aveva quasi cinquant'anni e il libro fu pubblicato con lo pseudonimo parlante "Nick. Quella". Allo stesso tempo, è difficile sopravvalutare l'influenza di Annensky sull'acmeismo e sul futurismo. I suoi testi si riflettono nel lavoro di Anna Akhmatova, Georgy Ivanov, Boris Pasternak. Anche gli articoli critici di Innokenty Ivanovich e le sue traduzioni di Heine, Longfellow, Baudelaire, Euripide, Horace, Rimbaud e altri autori sono della massima importanza.
